cientoundiscosescuchados

97 / Blood Sugar Sex Magic, Red Hot Chilli Peppers

2006-06-14T11:48:00.000-07:00

¿Porque Blood Sugar de Red Hot Chili Peppers? Simplemente porque es de esos discos redondos. Largos, pero que no agotan. Architocados, pero que no saturan. En suma, de esas grabaciones que comienzan a sonar y provocan múltiples reacciones: desde las más burdas -como emitir el típico comentario sobre el bajo de Flea y hasta el supuesto origen chileno de su tio- hasta las más evocativas- ¿te acordai cuando tocaban Give it way en las fiestas del colegio y quedaba la cagà?-.

Plagado de temas díscolos, bailables y "vacilables", "Blod Sugar...." fue elevado por cientos a la categoria de culto, no tanto por su aporte al devenir de la música sino que gracias a su espiritu, onda y llegada con el común denominador de los mortales. Actitud exacerbada a tal punto que de ahi en más se originó una desconocida actitud de fanatismo, consistente en replicar la forma de vida de ciertas bandas a la existencia cotidiana propia. (sino preguntelé a los Chancho en Piedra y sus "marranos"). Igual mucho, creo yo.

Pero el tema acá es que el quinto disco de los Red Hot Chilli Peppers fue una bengala pirotecnica que mostró al mundo entero esa mezcla que a muchos causaba naúseas: grupo blanco tocando funk salpicado con rock y plagado de letras onanistas. Más en una época incipida respecto de sonoridades novedosas, donde el colorido era excaso y las performances de los grupos eran presa de la intimidad e instrospección propias del grunge.

Sangre azucarada y sexo magico, título en clara apologiua al placer que provoca en algunos un pinchazo de heroina y el posterior revolcón, es "el gran disco" editado por los oriundos de Califronia. Con él tocaron el cielo, pero pagaron las culpas del estancamiento creativo que se observa desde ahi hasta la fecha. O sea, "One Hot Minute", logra en parte momentos altos; pero "Californication", "By the way" y "Stadium Arcadium", suenan faltos de frescura, algo tediosos y, especialmente el último, exesivamente pretensioso.

Personalmente me quedó con el recuerdo de esta joyita funk para evocar a los "dioses tatuados del rock". ¿Living Colors hizo algo similar? Si, okey. Pero los "Red Hot" fueron más masivos, y yo soy absolutamente mediatico.

98 / kid a, RADIOHEAD

2006-05-25T10:10:00.000-07:00

La perfección sonora puesta al servicio de la belleza onírica plasmada en letras obscuras, cautivantes, inconclusas, contradictorias y hermosas.

¿Que mas se puede decir?........Un disco incomprendido y celebrado. Ninguneado por muchos o elevado al Olimpo por otros. Simple y complejo. Dulce y lúgubre. Carente de toda continuidad pero inmerso en un todo conciso donde cada parte convive de manera independiente. Diez mundo distintos reflejados en diez temas únicos, irrepetibles y evocativos.
Sueños abstractos y viajes mundanos se dejan ver en "How To Disappear Completely“ o "In Limbo"; himnos surrealistas e inconexos se plasman en "Everything In Its Right Place " y "The National Anthem ". El disco en sí es extraño, la delicada voz de Tom York es colada a ratos por maquinas androides (como si los centraidis de Robotech cantarán), el depurado trabajo de arreglos efectuado por Jonny Greenwood - que acá se consagra como la otra mitad del cerebro del grupo- muchas veces satura, como en “Idioteque”, pero no distorsionando un metraje preciso, plagado de sonoridades espaciales y sensitivas. Se pueden enumerar miles de detalles, especulaciones y lecturas en relación a Kid A. Sin embargo, creo que en este caso puntual, basta solo con enumerarlo en esta larga lista de discos que he escuchado, pues su relevancia cae por su propio peso. Pensar que cuando lo digerí por vez primera lo encontré extrañísimo, pues en esa época pasaba horas escuchando "The Bends", incluso recuerdo haberlo dejado de lado por un tiempo, lapsus necesario para retomarlo sin prejuicios ni obstáculos . Justamente ahí está la clave: respirar, desconectarse y apretar play. Ahí comienza el verdadero Kid A que, curiosamente pareciera terminar en cosa de minutos pues se hace corto, producto de su capacidad para atrapar los sentidos, cautivar el alma y alejar la obviedad. Simplemente, y evitando no caer en excesos; una obra maestra de inicios de milenio.

99 / Please to meet you, JAMES

2006-05-05T09:22:00.000-07:00

Ayer llegó a mis manos un DVD de James, quizás la mejor y menos reconocida banda del manoseado Brit Pop. Ese estilo que brilló antaño. El mismo del cual muchos nos colgamos para disfrazarnos de rockeros manchesterianos. Ese mismo que hizo rodar por el mundo la elegancia ambigua de Pulp, la ironía colegial de Blur y la arrogancia básica pero efectista de Oasis. En fin, el asunto es que me devoré el Dvd de James. Acompañado de una lata de cerveza lo disfruté a concho, aunque sentí un dejo de nostalgia pues era el registro del último show dado por estos longevos oriundos de Gran Bretaña. Lo importante ( no se si tanto en realidad) para este espacio, es que a partir de aquello se me vino a la cabeza uno de los mejores discos que he escuchado últimamente. Un disco que si no hubiese sido por "Amnesiac" de los maravillosos Radiohead, hubiese estado en lo más alto del podio de los trabajos musicales editados en el año 2001. Por lo menos para mi, sí lo estuvo. En fin, Señoras y señores, con ustedes: "Please to meet you". Simplemente, una joya olvidada y relegada a un segundo plano, por un sinfín de motivos que no vienen al caso.
Plagado de hermosas melodías, acordes directos y melancólicos compases, el último trabajo musical de James, vino a confirmar- para mi gusto tardíamente, por lo menos en Chile- lo valioso de su trayectoria, que incluye once grabaciones inéditas y cuya punta de iceberg estuvo dado por la rítmica "Say Sometimes", posteriormente reforzado por la candidez de “Laid” y "She is a Star". Así, “Please To Meet you” reivindica a una banda que durante años recibió el mote que los señaló como creadores solo de himnos al estilo Queen, o como los “nuevos Simply Minds” y un sinfín de tonterías que emanaron, para variar, de las fauces de revistas “especializadas de música”. En síntesis, un chiste.

Con “Please To meet you” muchos comprendieron como James logra matizar sutilmente su música con la electrónica sin ser un grupo electrónico, ni menos renunciar a los valores primos desde su formación; esos que hablan de una banda de rock, de eternos delays y que hizo de lo simple su carta de presentación. Si, cliché y todo la frase no deja de tener asidero, pues James siempre destacó por eso. Pocas veces un adorno demás y siempre presente un envidiable criterio para eternizar el espacio sonoro de manera correcta sin caer en vacíos incomprensibles y desgastantes. En resumen: el sello de una banda sin mayor pretensión estilística ni visual. Todo un logro considerando la cuna que los cobijó musicalmente (Manchester y toda esa revolución de mediados de los ochenta) y la competencia de la época posterior ( el glamoroso brit pop). De la mano del carisma e inigualable registro de Tim Booth, "Please To Meet You" es un trabajo magistral y cautivante. Plagado de ambigüedades, se pasea por ecos susurrantes en un inicio con “Space”, tema que abre el disco, para luego dar paso a melodías chispeantes como “Junkie”, himnos al borde de la perfección evocativa como “Getting Away with It” o “Fine”, finalizando de manera sublime con esos casi cuatro minutos de hermosa melancolía llamada “Alaskan Pipeline” (fundamental escucharla) En definitiva, el mejor final posible dejado en las manos de un disco que cierra una larga carrera sin mucho bombo y con pocas luces; evidencia clara del sino de un grupo que vivió más en la sombra que en la primera línea, y en cuya génesis parecía estar condenado a engrosar el montón de bandas que crecen al alero de los grandes de la música británica. Pese a todo, James brilló con luz propia en el escenario de los que hacen buena música sin pretensiones, de manera simple y con resultados simplemente conmovedores, por instantes.

100 / angel dust, FAITH NO MORE

2006-04-12T09:25:00.000-07:00

El orden cronológico de aquí en adelante es aleatorio y no responde a ningún afán categorizador, salvo el instinto musical precoz, la memorización instantánea que tenga por una melodía de remembranza y el sentimiento viseral y troglodita por escuchar cientos y cientos de discos. Nada más. Hecha esta aclaración, me sumerjo en contar mi relación con el disco número tres o cuatro de Faith no More (dependiendo de si usted es pattoniano a muerte y no reconoce trabajo del grupo sin el carismático Mike a la cabeza). En fin, "Angel Dust" (1992) nace un par de años después del vertiginoso "The Real Thing", (1989) ese potente disco cuya gira cuajo uno de los momentos más delirantes y recordados de nuestra cultura musical inmediata: Faith No More en Viña del Mar. Con el disco de la cigüeña en la carátula y un montón de carne en la contraportada - y cuyo arte gráfico estaba inspirado en la Unión Soviética de Stalin- Faith no More logra poner en vitrina mundial una batería de composiciones que, una tras otra, dan vida a un combo potente, ensordecedor, alucinante pero contradictorio, especialmente para quienes esperaban la continuidad radial de singles como “Epic” o “ Falling to the Piaces”. De las entrañas de este oscuro y paranoico trabajo brotan por si solos himnos épicos de inicios de los noventa como "Smaller And Smaller " o "A Small Victory ", pero también afloran díscolas creación arrítmicas y brutales como “Crack Hitler” y “Malpractique”, respectivamente. Más aún, cobra vida quizás la primera balada que cientos de "chascones" pudieron cantar sin sonrojarse en público: el cover de The Commodores, "Easy". En suma, un disco perturbador, intestinal e irrepetible.
Por sobre lo anecdótico, el trabajo de órganos que se aprecia en el disco no sólo es un fondo fantasmagórico ideal para la descarga sinérgica de riffs y redobles fulminantes, también es una patada en el culo al prejuicio ochentero de que el rock potente– salvo el épico, quizás- no podía ser interpretado más allá del triunvirato guitarra/bateria/bajo. Así, como un tapabocas a este “dogma” se aprecia en Angel Dust una complicidad absoluta entre teclados, samplers y acordes metaleros: una elegante mesa servida a disposición de las nuevas generaciones que acuñaron de la teta de esta “joya” el ya extinguido “nu metal”.
Insisto en la ausencia de objetividad de este comentario- y pongo en un marco que acá no se trata de desmenuzar técnicamente el trabajo discográfico de bandas y solistas - pero Angel Dust es un "discazo". Ambivalente, puede ser, incluso odiado por muchos en un comienzo, pero superlativo con el paso de los años. Recuerdo que desde que lo copié en un cassete Maxel en el 94 fue uno de mis más fieles acompañantes en los extensos viajes que a diario experimentaba por el sinuoso camino Melipilla, comuna de Cerrillos. Al son de "Everything's Ruined " (por lejos una de las mejores canciones del rock de los noventa) y casi por coincidencia, enganche con una de las mayores inspiraciones de futuras bandas que descubriria posteriormente: Rage Against The Machine e Incubus, que, por lo demás, le deben bastante a estos oriundos de Carolina del Norte quienes no conformes con editar este grandioso álbum reservaron lo mejor de su repertorio para los años siguientes. Pero esa es otra historia.

.....a modo de anécdota

*El mito popular de la época hablaba que los coros de la funky "Be Aggressive" eran interpretados por la malograda viuda de Kurt Cobain: Kurteny Love.
*Una de las primeras personas con las que compartí un gusto por este disco repetía insistentemente: "Sabis que?, este disco sería perfecto si no estuviese es mierda de canción "Midnight Cowboy ". Cosas de gustos.
*No en todas las ediciones salidas al mercado el disco cerraba con “Easy” que fue un sencillo extra y que fue posteriormente incluido por la compañía para aumentar las ventas.

101 / alturas de macchu picchu, LOS JAIVAS

2006-04-04T11:19:00.000-07:00

"Entonces en la escala de la piedra he subido, entonces en la escala de la piedra he subido"

Cumplía 25 años y un amigo que vivía en Valparaiso me invitó a festegar mis bodas de plata al puerto. Con mi acostumbrado impetú tomé algunas cosas y arranqué lo antes posible en dirección a la ciudad donde difícilmente alguién como yo puede ser infeliz. Cruzando adoquines, cerros, troles y miles de perros vagos, desde la terminal, logró arribar al cerro Santo Domingo, mejor dicho a "La Matriz", allí me esperaba mi amgio Andrés quien cálidamnete me invita a pasar a la pensión donde alojaba, no sin antes recibirme con dos heladas cervezas de litro.

"Te tengo una sorpesa , gueón", me dice en tono pícaro meintras esboza una sonrisa delatora. "Que onda?", respondo con nerviosismos. "Hoy carretearemos con Eduardo Parra". ¿No?, ¿el loco " de Los Jaivas?. "Así es", me confirma sin titubeo alguno. El cómo Andrés es amigo de uno de los Parras y porqué esa noche sería un partener más de dicha velada, es asunto para otra historia.

El cuento es que esa noche, efectivamente bebimos unas cervezas y recorrimos bares con el largilucho y taciturno tecladista de Los Jaivas. Tratando de no molestar con preguntas del tono de "¿qué se siente ser tan famoso?, o ¿cómo grabaron ese disco tan espectacular", esuché atentamente miles de anécdotas sobre su vida, su musica y sus ideales, a estas alturas oxidados por el paso del tiempo. "Fijate que nunca quisimos grabar alturas de Macchu Picchu, pues pensabamos que jamás lograríamos transmitir el espiritu que puso Neruda en esos versos en canciones", dijo en algún momento ante la incredulidad mía y de Andrés, declarados fans de la banda y en especial de ese disco. "Es mas", conituó. "Lo grabamos por petición de un amigo peruano, y las melodías las compusimos y grabamos en Francia sin siquiera haber visitado nunca antes tan mítico lugar". O sea, los tipos se imaginaron las ruinas incas, leyeron de por medios les textos de Nefatlí Reyes y grabaron el disco, pense yo. "Cresta, notable", exlamé entremedio. Asi se pasó la noche, entre borgoñas, cigarros y preguntas obvias ( era inevitable, lo siento). Claro que casi al terminar y consiente de la cercanía del término de la jornada intenté desmitificar uno de los tantos mitos que pululan en torno a la música criolla: ese que reza que para grabar el programa que Canal 13 - quién lo diría- realizó con Los Jaivas interpretando el disco en Macchu Picchu mismo, tuvieron que subir el piano de cola en un helicoptero. "Asi fue", contestó Eduardo Parra; pero acto seguido remató con un "sin embargo también hay mucho de mito en eso". Al amanecer de una agitada noche porteña y mientras me tiraba cuan largo en una cama de la pensión de Andrés, comprendí que esa no había sido una noche más, sino "la noche en que por vez primera estoy tan cerca de un genio".

Despúes de lo anteriormente descrito es casi lógico porqué elegí este cómo el primer disco a comentar. Pero eso no es todo, pues hay cientos de razones más y si bien no fue el primero que escuché en mi vida, sigo pensando- pese a los años y a la inexactitud musicóloga que padesco- que es el mejor disco que se ha grabado en Latinoamérica.

Motejado por mucho como el "Pompeya Sudamericano" (aquella gran obra-sinfonica-rock-experimental de Pink Floyd), es definitivamente una creación que traspasa gustos, estilos y prejuicios, y que siento se ganó un lugar en el olimpo de las grandes grabaciones de la segunda mitad del siglo veinte no sólo por su "mágico concepto" -para los más hippies- o su extrema pulcritud interpretativa- para lo amantes del visrtuosismo- sino que encierra en aproximadamente media hora un caudal de giños, momentos e hitos sonoros no escuchados anteriormente en estas latitudes. La eternidad de los redobles de la bateria de Gabriel Parra, la punzante guitarra de Gato Alquinta, muchas veces al más puro estilo "Santana", y el vertiginoso vaiven de las escalas de los pianos de los hermanos Parra, hacen de este una obra necesaria de revisar de tarde en tarde, independiente del paso del tiempo, la erosión de las ruinas de Macchu Picchu y la caida a pedazos de los integrantes de la banda más longeva y popular de nuestro país.